¿Suena simple no? La causa de todo este embrollo es que, naturalmente, cada técnica de piano recomienda su propia posición de las manos, aquella que mejor se adapta a su estructura. Hubo una razón para tal posición, y debería haberla también para cada “posición normal” de cualquier individuo.

Esto no sólo es agotador para el pianista, sino que al tocar cada nota o acorde se detiene al mecanismo del piano entero. Esto se debe a que actúa como un freno. Entonces, ¿Puede uno dejar de hacer esto? ¿Puede el hábito encontrarse con una negativa a actuar de manera cotidiana? Si no caes bajo esta tentación descubrirás que es posible liberar el poder debajo del teclado sin ejercer presión alguna, por lo que el mecanismo permanecerá libre y listo para actuar, para lo cual no es necesario gastar energía. Así producirás un sonido mucho más claro y fuerte.

El miedo a equivocarse se encuentra fuertemente asociado con las dificultades que tenemos para cambiar. Puede ser difícil dejar de hacer lo que estamos acostumbrados a hacer si hemos llegado a creer que es esencial para tener éxito, y consecuentemente esencial para nuestro sentido del valor propio. Es por ello que toma bastante tiempo hacer a un lado el miedo a equivocarse. Cuan difícil puede ser tratar de persuadir a alguien que tiene mayor significado tocar un arpegio en su totalidad con algunas notas incorrectas que tocar una sucesión de notas correctas sin conexión alguna entre sí.

En cambio, es sencillo convencer intelectualmente a alguien de ello, pero de este modo el miedo no desaparecerá. El miedo provocado por las humillaciones durante la escuela o en la vida diaria, usualmente se incrementa durante las clases de piano. El temor de que si haces algo mal, eres tú el que está mal, y por lo tanto no mereces respeto ni amor. Este miedo es tan fuerte que domina a los estudiantes de piano de tal modo que los conduce a negar toda su pasión innata, su armonía y musicalidad, en lugar de que enfrenten el riesgo de tocar alguna nota incorrecta.

La música no es detalles, sino que es movimiento. Movimiento que viaja hacia alguna parte. Si éste es hermoso, los detalles le agregan encanto. Si el movimiento es pomposo o ahogado, entonces aún los detalles más hábilmente interpretados suenan forzados, y le quitan brillo a la melodía, en lugar de agregarle. Y la ironía es que si hay un movimiento real, un impulso, un ritmo, una técnica de piano que se mueve irresistiblemente hacia delante, si hay un sentido completo del ritmo los detalles no pueden ayudar sino que son secundarios.

El gran pianista de jazz Bill Evans dijo una vez: “Cualquiera puede ser grande si trabaja dentro de sus propias limitaciones”. Hay algo de verdad en estas palabras. Cada vez que permitimos que nuestra musicalidad natural salga a la luz, no importa de que magnitud sea nuestro talento, no importa cuan limitados técnicamente estemos, hay grandeza, pues la música es grande, un rico e inagotable fenómeno de la naturaleza.

Recordemos la primera vez que nos compramos un auto. ¡Que experiencia tan traumática! Negociar el precio, aprender sobre impuestos, obtener el registro, tramitar la patente, etc. ¡Tantas cosas para hacer! En mi caso, el último mes compré mi cuarto auto y fue realmente sencillo, apenas me sentí inquieto por todo el proceso. Ya he desarrollado una habilidad para comprar autos.

Tocar el piano es similar, uno se sienta la primer vez, y siente tanto miedo que no sabes que estás haciendo, y metes la pata, y esperas que nadie se ría de ti. Luego, con el paso del tiempo y de las prácticas te acostumbras a sentir las teclas debajo de tus dedos, y comienzas automáticamente a tocar las notas correctas.

El primer consejo: la práctica constante
Tocar el piano, ya sea una pieza de jazz o el mas sencillo minuet, es como tipear en un teclado de computadora. Si puedes tocar, por lo menos una tecla a la vez sobre una máquina de escribir, puedes hacerlo en este instrumento de teclas. El mismo principio está involucrado: hacer que tus dedos presionen una tecla. Cualquier persona que pueda presionar un botón puede tocar las teclas del teclado.

La clave fundamentar de cualquier curso para aprender a tocar un instrumento musical es practicar. Cuanto más tiempo pases con el instrumento, mejor. Y cuanto mejor suene el instrumento para ti, más tiempo querrás pasar con el, con lo cual seguirás progresando y progresando, y más te gustará tocarlo. Si nunca te has sentado a intentarlo por primera vez, y sufrir la angustia de haber tocado las teclas incorrectas, y hacer sonidos desagradables para el oído, entonces nunca conocerás la alegría de hacer despreocupadamente que los puntos sobre un papel cobren vida como una hermosa melodía. Es conveniente aprender algo de notación musical para facilitar la lectura de las piezas musicales.

Comienza hoy

Cualquiera que pueda alimentarse por si mismo puede aprender a tocar el piano, así que ¡siéntate y toca!

No importa si tienes un profesor, o un libro especialmente diseñado, sólo siéntate al piano y presiona las teclas. Si posees algunas partituras, toca lo que está escrito sobre ellas, pero si no tienes puedes intentar tocar de oído tus canciones favoritas. El modo de interpretar de oído es simple: decídete a tocar de oído. O, en otras palabras, para lograrlo practica percibir los sonidos y llevarlos al teclado. Con el tiempo serás capaz de tocar cualquier cosa que sientas, como si fuera de oído y manteniendo la tonalidad.

La relajación del pianista
Intenta tocar las teclas del piano ligera y delicadamente. Si tus dedos están rígidos a causa de la ansiedad de intentar tocar las notas correctas en el momento indicado, será mucho más difícil lograrlo. Una mano relajada alcanza las notas correctas con mayor facilidad.

Tocar y divertirnos
Comienza por tocar algo que te guste y con lo que estés más familiarizado. Con el tiempo serás capaz de mirar cualquier partitura y tocar algo bastante parecido a lo que está escrito, pero no tiene sentido que un estudiante que recién se inicia en la técnica del piano comience a tocar partituras desconocidas para él. Por ejemplo, cuando aprendemos a tipear con lo primero que intentamos es con palabras familiares y conocidas. No pretendemos escribir desde un principio nombres químicos u otro tipo de vocabulario complejo. El mismo principio se aplica al aprendizaje del piano. Cuando recién empieces, opta por música que te sea divertida. De todos modos, tu habilidad se desarrollará con cualquier cosa que toques. Si estás practicando tocar de oído, hazlo con canciones que te sean familiares, puede ser la música de algún aviso publicitario, canciones populares, o incluso algún tema de la TV.

Comenzando a improvisar

¿Haz comenzado a tocar de oído? Si no lo haces es hora de que lo intentes. Desde que comencé a hacerlo he descubierto que mi fluidez al tocar ha aumentado increíblemente. Y gracias a ello todas las partituras que toco suenan muchísimo mejor. Mis dedos parecen anticiparse donde irá la próxima nota, incluso si mis ojos aún no la han visto. Tampoco es necesario que te vuelvas un experto tocando de oído, pero si practicas lo suficiente podrás hacerlo cada vez mejor.

Allí vemos la blanca con y sin puntillo, la negra y la corchea. Es confuso pensar que una nota puede representar un medio o un tercio de un compás y tal vez te preguntarás por qué una nota que dura un compás entero es llamada negra, según el caso. ¿Por qué no se llama nota entera? Esto se debe a que nombramos a las notas basándonos en la duración de tiempo en que se tocan dentro de una medida y no en cuantas de ellas hay dentro del compás.

Generalmente les digo a mis estudiantes que piensen en un compás como una torta entera, que puede ser cortada en cuartos (4 piezas), octavos (8 piezas), y así sucesivamente. Una nota entera es llamada así pues se toca durante un compás entero. Un cuarto de nota es llamado así porque un cuarto de nota completo ocupa exactamente un cuarto del compás.

Ahora que entendemos por qué las notas son llamadas así, veamos el gráfico nuevamente:

Dividir un compás en octavos y dieciseisavos de entrada mientras estás tocando el instrumento puede ser bastante difícil, por no decir casi imposible, especialmente con ritmos complicados. Por ello es mucho más útil comenzar con ritmos sencillos. El paso siguiente es contar con ritmo.

Contando rítmicamente
Recuerda que los compases y tiempos pueden contarse con un metrónomo. Tan regularmente como puedas, intenta contar hasta 4 de este modo: 1–2–3–4, 1–2–3–4. Repite el conteo una y otra vez. Debes lograr que cada número quede proporcionalmente espaciado uno de otro. No debes contar de este modo: 1–2…3–4.
No importa cuan rápido cuentes, mantén los números proporcionalmente espaciados.

Estás contando 4 tiempos en un compás, por lo tanto cada número es el valor de un cuarto de nota (una negra). Ahora, mientras cuentas, aplaude sólo cuando digas “1”. Mantén tus manos juntas hasta que digas “4”, para simular que sostienes la nota, luego vuelve a aplaudir. Ahora estarás tocando una nota redonda.

Ahora usaremos nuestras manos como instrumento, también puedes intentar con los pies o la punta del dedo. Ahora aplaude a cada conteo. Estarás tocando notas negras.

Continúa contando 1234, pero aplaude una vez más entre cada número. Te ayudará decir “1 y 2 y 3 y 4 y 1…”. Una vez que lo logres estarás contando en corcheas. Haz logrado dividir el pastel en 8 piezas.

Una escala musical es una secuencia de tonos y es la base fundamental para componer música. Las escalas principales de la música occidental son las escalas mayores (Tono-Tono-Semitono-Tono-Tono-Tono-Semitono) y menores (Tono-Semitono-Tono-Tono-Semitono-Tono-Tono).

Escala Mayor: Tono-Tono-Semitono-Tono-Tono-Tono-Semitono

Escala Menor: Tono-Semitono-Tono-Tono-Semitono-Tono-Tono

Cada escala se encuentra determinada por una tonalidad base o tónica, que es una combinación armónica de los tonos basada en dicha escala. Entonces, por ejemplo, la clave de Fa Mayor utiliza los tonos de la escala en fa mayor. La clave de Mi menor usa los tonos de las escalas en mi menor.

Escala Mayor en Do

Escala menor en La

Particularmente consideramos que la música de Blues, por ejemplo, se comporta como una clave particular: existe, por ejemplo, el Sib del Blues o el Sib menor del Blues, que son como las claves mayores y menores. Uno siempre debe saber en que clave está tocando en cada momento. Las modulaciones son los cambios de clave. Cada escala y cada clave tienen sus propios acordes. Se construyen sobre cada grado de la escala con armonizaciones por terceras. Por lo tanto, puedes reconocer un tono por la clave, los acordes, la melodía.

Recuerda que cada acorde no tiene su propia escala y que la escala de cada acorde depende en que clave se encuentre.

Este concepto es importante pero me he dado cuenta de que no muchos músicos han comprendido su importancia. Por ejemplo, ellos tocan la escala de Re Dórica también en Re menor 7 que pertenece a la clave Sib. De este modo ellos comenten dos terribles errores: usan Mi en lugar de Mib y Si en lugar de Sib.

Grados de la tonalidad

Son los nombres que adquieren las notas en función del lugar que ocupan en la escala y son los siguientes:

¿Cómo estudiar improvisación en el blues?
Fundamentalmente, para llegar a convertirse en un maestro de la improvisación al tocar el blues en el piano o cualquier estilo en general, se debe conocer a fondo todas las estructuras, tanto mayores y menores, en todas las tonalidades, incluidas las doce escalas de este género. Otro estudio que no debe faltar es el de las frases típicas del blues. Con el suficiente tiempo y el estudio necesario será capaz de crear frases melódicas utilizando dichas escalas en cada acorde de séptima.

Si se quiere conocer la técnica blusística, que se ha utilizado bastante dentro e la música cristiana, es imprescindible seguir las siguientes referencias.

1) Escuchar famosos artistas de este género, tales como B.B. King, Ray Charles, Miles Davis y Charlie Parker.

2) Memorizar las escalas y acordes mas comunes y particulares.

3) Aprender las frases típicas y practicarlas constantemente.

4) Improvisar con todos los estilos fundamentales del blues.

5) Aprender diferentes acompañamientos blusísticos (triplets, swin, funky, etc.)

Otros consejos

Sugiero aprender y conocer cada ítem para construir las líneas melódicas; ellos son la base de la armonía en la música clásica y en el jazz. A partir de ellos podrás componer o improvisar fácil y correctamente. También debemos aclarar que el conocer y dominar las técnicas armónicas no es suficiente para crear música de alto valor artístico. Los músicos tienen, más bien deben, expresar emociones, ideas y mensajes a sí mismos y al público, más allá de interpretar siguiendo la senda armónica correcta.

Por lo tanto, un improvisador necesita:
1) Manos bien entrenadas y con práctica asidua.
2) Una mente docta con habilidad para el estudio constante.
3) Un corazón abierto y la emocionalidad musical.

Cuando estas tres facultades se sincronizan junto a los conocimientos adquiridos, tus improvisaciones, composiciones y tu música se volverán mágicas y serán poseedoras de un gran poder emocional.

2. Asegúrese que sepa leer música y que pueda tocar algo básico, incluso sino es del género del jazz. El primer paso en su trabajo será entrenar su oído.

3. Si usted lo desea, cómprese un cancionero de alguno de los mejores músicos: Cole Porter, Gershwin, etc. Asegúrese que los acordes y tablaturas de guitarra estén escritos encima de la línea de la melodía para piano, como por ejemplo “Dbm7”.

4. Aprende los acordes de piano básicos en: séptima mayor formado por la tónica, la 3era, la 5ta y la 7ma, el acorde en séptima menor formado por la tónica, la 3era bemol, la 5ta y la 7ma, el acorde dominante con séptima formado por la tónica, la 3era, la 5ta y la 7ma bemol, el acorde medio disminuido formado por la tónica, la 3era bemol, la 5ta bemol y la 7ma bemol, y por último el acorde disminuido formado por la tónica, la 3era bemol, la 5ta bemol y la 7ma bemol. Transporte cada uno de ellos a cada clave. Entonces, por ejemplo, para tocar Do7 (séptima dominante en do) usted deberá tocar do, mi, sol y si bemol. Para do en acorde disminuido, usted deberá tocar, do, mi bemol, sol bemol y la. Usted necesitará saber muy bien estos conceptos teóricos para lograr el poder ver un símbolo de acorde en una partitura y poder tocarlo en el piano sin mirarlo.

5. Para recompensar su trabajo, deje de lado momentáneamente el cancionero o libro de partituras. Piense en una canción que le guste y de oído toque la línea de melodía con la mano derecha con los acordes apropiados en la mano izquierda. De esta manera estará tocando una canción sin leerla. Este puede requerir cierta práctica en algunas personas.

6. Probablemente suene horrible, pero siga practicando lo suficiente hasta que vaya mejorando. También puede volver atrás y ver como suenan los acordes y si lo hacen de un modo que que suenan bien o “raros” al oído.

7. El siguiente paso es aprender a realizar acordes invertidos: aprenda a tocar DoM7 como (do, mi, sol y si), (mi, sol, si y do), (sol, si, do, mi) y (si, do, mi, sol). Aprenda esas cuatro posiciones para cada acorde, pero solo lo podrá tocar después de conocer qué significa cada acorde y al tener el paso cuatro de esta guía bien dominado. No esfuerce su mente; simplemente practique.

8. Apréndase la escala pentatónica de su clave favorita.

9. Añada una par de notas a alguna canción con la que se sienta cómodo tocar. Después añada algunas otras y saque algunas de las originales. Esta es una base elemental de improvisación en el teclado.

10. Aprenda la escala de blues de esa misma clave y mézclela.

11. Observe la secuencia de acordes de la canción que está tocando y pruebe desplazar la nota de una canción a otra.

12. Aprenda la progresión: Tónica, primera, sexta, segunda, quinta y tónica. También puede aprender la substitución tritonal y el progresión de quintas. Toque la misma canción en diferentes claves.

13. Cuando esté listo, aprenda las armonías cromáticas y diatónicas y diferentes escalas y modos. También escuche diferentes clases de música de diferentes períodos musicales y cualquier otro tipo en el cual pueda sacar diferentes ideas de armonía y melodía.

Consejos adicionales:
• Experimente con cualquier cosa, no hay ninguna regla fija. Si usted lo desea cambie la música rítmicamente, melódicamente, armónicamente y estructuralmente. Haga esto todos los días. Puede ser su medio de práctica.
• Ame el jazz y aprenda a amar el arte de escribir música. Escuche jazz todo el día.
• Escuche como tocan el piano los mejores pianistas ya que eso le ayudará a entender porque fueron los mejores. También trate de sentir la emocionalidad de la música. Tome como ejemplo: la intensidad de Bud Powell, el romance y la belleza de Bill Evans, la ferocidad y manejo de McCoy Tyner y así sucesivamente. La emoción es lo que usted puede enseñar y obviamente de lo que se trata la música.

Aprendiendo a mantener el ritmo

El truco es tocar la pieza al ritmo correcto, incluso si sólo logras tocar correctamente una mínima parte de la canción. En otras palabras, debes pasar la mayor parte de tus prácticas en mantener el ritmo, más que en cualquier otra cosa. Al comienzo, no debes preocuparte por tocar en el instrumento el tema con los acordes completos, puedes intentar tocar una o dos notas del acorde, de todos modos no es necesario tocarlo completo. Al poco tiempo, serás capaz de tocar más y más notas, incluidos los acordes, y aprenderás que notas son opcionales y cuales indispensables. En la mayoría de los casos nadie, excepto tú, notará que falta alguna nota.

¿Dónde ubicar los dedos?
Para las escalas:
La técnica ortodoxa, por ejemplo, en caso de una escala ascendente con la mano derecha, consiste en tocar las tres primeras notas comenzando por el pulgar y luego de tocar la nota que se encuentra debajo del dedo mayor comienzas nuevamente con el pulgar. El pulgar debe cruzar por debajo de los otros dedos, es decir, no debes levantar la mano del teclado al continuar. En una escala descendente, comienzas con el meñique de la mano derecha, deberías poder tocar 5 notas (una con cada dedo), y luego el dedo mayor cruza por encima del pulgar para tocar la siguiente nota. Tocar con la mano izquierda es una acción en espejo de lo que hace la mano derecha.

Para la música habitual:
Se aplica el mismo sistema que con las escalas, pero también es común levantar un poco las manos y moverlas para que puedan abarcar la secuencia siguiente de notas que estás esperando tocar.

Tocar con ambas manos

Casi siempre, al tocar con ambas manos, no intentes separarlas. No te preocupes por haberte olvidado de una nota en la armonía. Si no llegas a tiempo, sólo toca la siguiente produciendo un sonido o inventa una armonía para el caso. Pocos oyentes serán capaces de detectar un error. Luego de un tiempo, tu mano izquierda desarrollará un sentido para donde se supone que debe caer la nota siguiente. Y, luego de un tiempo, tu mano derecha será capaz de identificar la melodía esencialmente de oído sin tener que prestar demasiada atención a las notas escritas en las partituras, lo cual te permitirá dedicar mayor atención a los armónicos de la mano izquierda. Ambas habilidades se combinarán de tal forma para que puedas interpretar la música latina cada vez con mayor facilidad. Tocar de oído, y leer nuevas partituras ayudará a que fortalezcas dichas habilidades.

Entonces, ¿Cómo podemos acercarnos a esta forma natural de tocar música de oído en el piano? La respuesta es simple, usándolo. Memorizar música nos fuerza a utilizar el oído. Incluso mejor, transcribir piezas memorizadas de oído hace que se éste se vuelva más eficiente. Improvisar tiene el mismo efecto. A través de estas actividades, comenzamos a aprender las posiciones físicas y las relaciones entre los sonidos que esperamos oír. Nuestra habilidad de escuchar un sonido internamente y movilizarnos para producirlo se vuelve cada vez más fuerte con la práctica. El oído comienza a dominar la vista, y así lo que está escrito se transforma en música pura, expresada por todo nuestro cuerpo.

Pero esto sólo es una parte de la respuesta. No importa cuan buenos sean nuestro oídos, para llegar a tocar el piano ellos necesitan un organismo ágil y libre para convertir lo que ellos oyen en bellas melodías. Muchos pianistas sufren todo tipo de inapropiadas contracturas musculares y tensiones mientras tocan, lo cual parece para ellos, a medida que pasa el tiempo bastante necesario. Esto es, por supuesto un gran engaño.

¿Cual es el efecto de tener las piernas, los brazos, el torso y el cuello pensionados al tocar el piano? La primer consecuencia, y tal vez, la más devastadora es que separa al pianista de sus propias e innatas respuestas musicales. Nosotros respondemos a la música mediante el movimiento, puede ser obvio y sutil, no sólo de los dedos, sino también del torso, de las piernas y de los brazos; todo el organismo se involucra en la acción. En las culturas que son menos restrictivas emocionalmente que la cultura occidental, en las cuales se ha introducido la práctica del piano, esto es tan obvio que tienen incorporado el no permanecer estáticos mientras tocan. Pero en la cultura en la que hemos nacido, este hábito se ha incorporado del todo.

Una respuesta musical que involucra sólo al cerebro no puede llamarse más que “una respuesta musical”. La música es movimiento, vida, es el sentido físico del ritmo, una respuesta emocional. Es por ello que es peligroso comenzar a incorporar el ritmo aprendiendo a “contar”. Contar es un ejercicio intelectual. Pero el ritmo no es intelectual, sino que es un ejercicio físico. Lo sentimos, nos movemos al son de éste, y de estos movimientos proviene el deseo de producir los sonidos, el cual es una inteligencia musical innata que no necesita ser analizada. El movimiento es más inteligencia musical que razonamiento.

Poniendo en práctica esta lección

Aferrándonos al miedo estamos impidiendo que esta respuesta física surja naturalmente. Nos estamos engañando a nosotros mismos, y nos alejamos de la verdadera experiencia de hacer música en la cual el organismo interno responde para producir el sonido requerido, como respuesta emocional e intelectual a la música. Por lo cual sería mucho más productivo dejar el miedo a un lado y dar rienda suelta a estas respuestas naturales.

Pero debemos deshacernos de las viejas costumbres con inteligencia, conociendo el fundamento de por qué es tan importante dejar de inhibir estas respuestas de nuestro organismo frente a la música. Estamos inmersos en un desorden y ordenarlo no sería la solución adecuada. Es necesario tomar conciencia de qué estamos haciendo, no por una simple teoría sino acorde a nuestras propias observaciones. Necesitamos hacernos algunas preguntas, como por ejemplo:

¿En qué me beneficiará esta respuesta natural? ¿Existe alguna razón válida para mí por la cual estoy haciendo esto, o es simplemente un hábito deliberado o una creencia? ¿Qué sucede si mi organismo no responde de este modo? ¿Qué sucedería si permito una respuesta a la música en lugar de acceder a mi deseo de tocar las notas correctas?

No existe fórmula alguna. Estamos experimentando, intentando, tratando de encontrar la solución por nuestros propios medios. Un profesor puede ser de gran ayuda, pero se encuentra en nosotros el poder descifrar si somos honestos con nosotros mismos o no, y si deseamos o no cambiar.